История одной картины

Леонардо да Винчи
Портре́т госпожи́ Ли́зы дель Джоко́ндо. 1503-1519
Дерево (тополь), масло.

В 1911 году Винченцо Перуджа (итальянский музейный работник, художник-декоратор) совершил то, что позднее назвали величайшим хищением произведения искусства в XX веке. Согласно допросу Перуджи после его ареста, он вошёл в музей в понедельник, 21 августа 1911 года, около 7 часов утра, через дверь, которую использовали другие работники Лувра. Он был одет в один из белых халатов, которые обычно носили сотрудники музея. Когда Большая галерея Лувра, где экспонировалась «Мона Лиза», опустела, он снял картину с четырёх железных колышков, прикреплявших её к стене, и перенёс на ближайшую служебную лестницу. Там снял защитный чехол и раму, снял свой халат, обернул им картину, сунул свёрток под мышку и покинул Лувр через ту же дверь, в которую и входил.

В течение двух лет он хранил картину в сундуке в своей квартире в Париже, а затем перевёз в Италию. Вор был пойман, когда связался с Марио Фрателли, владельцем художественной галереи во Флоренции. Согласно версии Фрателли, мотивом преступления Перуджи было желание вернуть картину на её «историческую родину», однако при этом он рассчитывал и на вознаграждение. Проверив картину на подлинность, Фрателли обратился в полицию. После реставрации картина была выставлена по всей Италии, затем возвращена в Лувр в 1913 году. Во время суда обвинение в определённой степени согласилось с тем, что Перуджа совершил преступление по патриотическим мотивам, и вынесло ему мягкий приговор. Его отправили в тюрьму на один год и 15 дней, но в Италии его провозгласили большим патриотом, и он отсидел в тюрьме всего семь месяцев.

Хотя картина считалась шедевром и до кражи, её известность ограничивалась кругом людей, профессионально связанных с миром искусства. Широкое внимание, которое она получила благодаря прессе и широкомасштабному полицейскому расследованию, и значительный общественный интерес помогли ей стать одной из самых знаменитых в мире.

Кстати, несколько лет назад ситуация повторилась, но теперь это была Третьяковская галерея и одна из картин знаменитого русского живописца.

Если Александр Неизвестный решится на персональную выставку, надо будет украсть одно из полотен. 0, Вы в деле ?

Думаю, Александр Неизвестный сам попросит украсть его картину))

Александр Неизвестный часто подбрасывает свои картины на различные выставки, как кукушка

О,

Знаменитая «Джоконда» существует в двух вариантах: обнаженная версия называется «Монна Ванна», ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

А где обнаженная Маха? Опасаетесь, что ее начнут облизывать?))

Да.Малоличо:))

Шедевр всё-таки!

У Александра Неизвестного есть только картина, Обнаженная Натаха. Из раннего

Франсиско Гойя. Маха одетая. Ок. 1800—1805

Есть еще двойник этой картины: «Маха обнаженная»

Махами в Испании называли щеголих-простолюдинок. Их обычно

принято считать «горожанками», но в XVIII веке это были жительницы мадридскихтрущоб.

Портрет изначально задумывался как анонимный и хранит свою тайну до сих пор. Дело втом, что в момент ее создания нравы Испании не позволяли художникам изображать обнаженное женское тело без мифологического подтекста или отрицательной окраски(например, кающаяся грешница). Инквизиция, просуществовавшая в этой странепочти до середины XIX века, имела огромное влияние на искусство, осуществляя строгую цензуру. Рисуя обнаженную маху, Гойя осознанно нарушал закон, поэтому,считается, и был создан ее одетый двойник.

Казалось бы, что в XX веке, когда утихли многие споры обискусстве и творения Франсиско Гойи считались несомненными шедеврами мировой художественной культуры, с картинами не должно больше происходить никаких неурядиц. Однако нагота прекрасной махи продолжала смущать общественность. В1930 году, к 100-летию со дня смерти художника была выпущена серия из трехпочтовых марок. Изображение обнаженной махи опять вызвало скандал, причем нетолько в консервативной Испании, но и в других странах. Ревнители нравственности говорили о возможном растлении детей, увлекающихся филателией иособенно подчеркивали тот факт, что неприличное изображение перед приклеиванием к конверту нужно облизывать!

Интересно, что к концу 1930 года Департамент почтыСША запретил всю почту с «Махами». Такие письма должны были изыматься иотправляться обратно адресату. Эта почтовая борьба продолжалась несколько десятилетий – уже в 1952 году произошел случай в Бельгии, когда полиция арестоваламарки «Обнаженной махи», оскорбляющие общественность на витрине местного магазина.

Сразупосле Второй мировой войны разорвалась еще одна бомба замедленного действия,связанная с этой картиной. Теперь дело касалось личности женщины, послужившейдля нее моделью. Много лет считалось, что Гойя написал свой шедевр с известнойиспанской аристократки. Мария Каэтана де Сильва, 13-я герцогиня Альбадействительно была покровительницей и, скорее всего, любовницей художника, а также моделью для многих его картин. Однако о ее позировании именно для «Махи»достоверных свидетельств не сохранилось.

Оказалось,что аристократические потомки Альба очень недовольны слухами о том, что красота их смелой пра-прабабушки вдохновила художника и теперь выставлена на всеобщееобозрение. В 1945 году они решили доказать непричастность своего гордого рода к неприличному шедевру и ради этого даже пошли на эксгумацию останков герцогини.Планировалось измерить кости и сравнить их с пропорциями тела на картине.Однако после вскрытия могилы выяснилось, что подобные исследования невозможны,потому что гробница уже была разорена наполеоновскими солдатами. Так что тайна прекрасной женщины на картине, вероятно, никогда не будет раскрыта. У современных искусствоведов есть на этот счет еще одна версия. Возможно, что для картины позировала любовница заказчика Пепита Тудо, но однозначно доказать или опровергнуть ее также нельзя.

А моя история про одетую натурщицу.

Однажды Репин сидел и писал на заказ портрет молодой девушки. На тот момент были уже написаны «Бурлаки», он был в зените славы. И вот заходит Серов. Валентоша Серов формально никогда не был студентом Репина, но был другом семьи и считается его учеником. На тот момент он тоже был не хрен с горы--- " Девочка с персиками" уже была написана. Но первым художником России пока был не он, а Репин. Так вот, смотрит Серов на эту генеральскую дочку ( а взгляд у него был такой, чтоб вы понимали, — когда он писал свою мать, она потом призналась, что как на страшном суде побывала) и просит разрешения тоже пописать ее портрет, пака она позирует Репину. Ему тут же выдали холст и краски и в результате юная Драгомирова получила два портрета по цене одного ( Серов свою работу подарил в благодарность за удовольствие писать красивую девушку в хорошей компании) Семья сначала гордилась репинсктм потретом, а потом уже больше серовским.

На мой взгляд они равноценны, хоть и разные. А да, Серов уехал немного не закончив, и Репин немного дописал фон. Так Серов потом год с ним не разговаривал.

Вот. Угадайте, где чья кисть🙃?

По свету похоже, что Серов справа, но не факт)

И это правильный ответ! Репинский портрет находится в музее Вашего города, ,0. В чате есть пользователь,-- в музее его города находится серовский портрет. Внимание вопрос со звёздочкой. Назовите город, возможно пользователь отзовётся сам🫣

Погуглил правильный ответ.

Ну надо же, в моем городе, оказывается, есть музей изобразительных искусств. :)

Да!)

Коф, смотрите, а Данаю в СССР можно было облизывать в 1976 и 1982 годах)))

Так вот о чем ностальгирует Хомо! ))) не пломбиром единым..

Говори_я_услушу, мой обмен с вами)

Клод Моне.
Впечатление. Восходящее солнце. 1872
Холст, масло.

Импрессионизм «возник» с легкой руки художественного критика Луи Леруа, который опубликовал статью в журнале Le Charivari в 1874 году, где впервые использовал термин «импрессионисты», означавший в контексте «впечатлянты». Так Леруа хотел язвительно охарактеризовать художников, чьи работы выставлялись на бунтарской выставке фотоателье Надара от имени «анонимного сообщества живописцев, скульпторов и граверов» (она же вошла в историю как Первая выставка импрессионистов).

Термин выбран не случайно. Именно такое название носила одна из картин Клода Моне «Восход Солнца. Впечатление». Леруа насмешливо назвал художников «впечатлянтами», а их работы «впечатлениями», а не нормальными картинами. «В наброске для комнатных обоев и то больше законченности, чем в этом морском пейзаже!» — писал он, критикуя работу Моне.

Клод Моне придумал название абсолютно случайно. Отмечал, что не может назвать гавань Гавра пейзажем, поэтому назовет «впечатлением». Этот термин оказался так удивительно хорош, что насмешка переросла в целое направление живописи, попутно превратив Клода Моне в его отца-основателя.

Я помню свое впечатление. От его «Стога сена». Очень советую, если не пробовали, смотреть на картину и не отводя взгляда делать шаги назад. С каждым шагом картина наполняется перспективой, пространством и воздухом. Либо чудо либо фокус. В момент когда упираешься спиной в подоконник напротив уже глаза полны слез восторга.

NB на подоконник не садитесь -- бабульки-смототели в Эрмитаже звери

Одной томной ночью, обычный житель Москвы, никому не известный, как всегда, спокойный житель РФ позвонил в тех поддержку интернета. Там сидели полные гундосы, которые всегда врали, никогда не отвечали на точно поставленный ответ и ломали кайф людям. После пары таких звонков. Этот человек месяц тогда был самым популярным человеком в русском сегменте интернета и был смещен лишь рок группой которая сделала кавер песню на его звонок. Даже спустя лет 15, его узнают на улицах, пишут поклонники, интересуются его личной жизнь, качеством интернета, приглашают выступать в кафе и даже пишут картины в его честь. Он изменил сознание многих.

Антон Уральский 2008 Москва

«Черный квадрат» — это темный прямоугольник

«Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Черный квадрат» — это неудавшаяся картина

Для футуристической выставки «0,10», открывавшейся в Петербурге 19 декабря 1915 года, Малевич должен был написать несколько картин. Время уже поджимало, и художник то ли не успевал дописать картину к выставке, то ли не был доволен результатом и, сгоряча, замазал ее, нарисовав черный квадрат. В этот момент в мастерскую зашел один из его друзей и, увидев картину, закричал «Гениально!». После чего Малевич и решил воспользоваться случаем и придумал некий высший смысл своему «Черному квадрату».

Отсюда и эффект растрескавшейся краски на поверхности. Никакой мистики, просто картина не получилась.

Неоднократно совершались попытки исследовать полотно на предмет нахождения изначального варианта под верхним слоем. Однако ученые, критики и искусствоведы посчитали, что шедевру может быть нанесен непоправимый ущерб и всячески препятствуют дальнейшим экспертизам.

Казимир Малевич неоднократно заявлял, что картина создана им под воздействием бессознательного, некоего «космического сознания». Некоторые утверждают, что исключительно квадрат в «Черном квадрате» видят люди со слаборазвитым воображением. Если же при рассмотрении этой картины выйти за рамки традиционного восприятия, выйти за пределы видимого, то вы поймете, что перед вами не черный квадрат, а разноцветный куб.

Существует несколько вариантов картины «Чёрный квадрат» Казимира Малевича, и все они находятся в России:

Первый вариант (размер холста — 79,5 на 79,5 см) хранится в Третьяковской галерее.

Второй вариант (размер — 106 на 106 см) находится в Русском музее.

Третий вариант (точная копия оригинала, размер — 79,5 см с каждой стороны) также хранится в Третьяковской галерее.

Четвёртый вариант (размер — 53,5 на 53,5 см) с 2000 года находится в постоянной экспозиции Государственного Эрмитажа (Санкт-Петербург)

Рассуждать о цветовой гамме и размерах Черного квадрата это как на полном серьезе разбирать партитуру «4.33» Джона Кейджа))) Ценность этих произведений в другом. Но все равно забавно, Вы, Мия, молодец

«Плачущий мальчик»
Автор — Джованни Браголин, итальянский художник, работавший под псевдонимом. Его настоящее имя — Бруно Амадио, бывший преподаватель живописи и, по слухам, художник-реставратор, сотрудничавший с католической церковью.

Он создал целую серию портретов плачущих детей, но именно один — мальчик с заплаканными глазами, с выражением безысходности на лице — стал культовым.

Эта картина, созданная в 1950-х, в последующие десятилетия массово тиражировалась: копии висели почти в каждом третьем британском доме. Картина была дешёвой, доступной и почему-то очень популярной — возможно, из-за своей мрачной выразительности, трогающей сердца.

В 1985 году британская газета The Sun опубликовала статью под громким заголовком: «Проклятие “Плачущего мальчика”»

История рассказывала о доме в Йоркшире, который сгорел дотла, но картина осталась нетронутой. Пожарные были в шоке: всё вокруг обуглилось, но мальчик остался целым, даже стекло не лопнуло.

После этой публикации началась настоящая волна страха: люди по всей Британии сообщали, что после того как в доме появилась картина, начались пожары, болезни, разводы и смерти домашних животных.В некоторых случаях картина падала со стены без причины, и ночью было слышно детский плач.Даже сами пожарные говорили, что на местах пожаров они не раз находили эту картину целой, висящей на обугленной стене.

Картины начали массово сжигать. Люди приносили их в редакцию газеты The Sun, где устраивались публичные «очищения» огнём.Некоторые картины отказывались гореть — им приходилось подносить пламя повторно.В домах, где картину убирали, становилось спокойнее, по словам владельцев.Исследования показали, что копии были покрыты огнестойким лаком, что и объясняло их «неуязвимость».Основа картины — прессованная древесно-волокнистая плита, которая медленнее загорается.Пожары чаще всего происходили по бытовым причинам: короткое замыкание, кухня, обогреватели.Однако: почему сгорали только дома с этими картинами — так и осталось странным совпадением.

Оригинал картины не был официально выставлен в музеях.Учитывая, что художник Бруно Амадио работал с коммерческими издателями, оригинал мог быть утерян, уничтожен или находится в частной коллекции.Некоторые утверждают, что он хранится в Мадриде, другие — что в Венеции, в одном из частных архивов.После смерти Амадио в 1981 году след картины теряется, а её мистический статус только усиливается.

Какая прекрасная мистическая история. И слеза ребенка и чертовщина в головах людей, и нерв настоящей крепкой страшилки. Чудесно 🌹

Вот ещё история, сильно меня попризадумала в свое время.

В базилике Сан-Витале (не спрашивайте, кто такой этот святой Виталик, речь не о нем) богато украшенный мозаиками есть мозаичные портреты императора Юстиниана и жены его, Феодоры. Феодора в молодости выступала в цирке и пленила Юстинипна танцуя обнаженной. Став его женой и императрицей имела на него очень сильное влияние. Уж не знаю чё как так вышло, но эта чета своим правлением довела народ до такого сильного недовольства, что массовое восстанием «Ника» ( побеждай!) заставило Юстиниана думать о побеге из страны. Но жёнушка сказала ему: «Юся, не нервничай. Просто убей их всех» И Юстиниан потопил страну в крови. Десятки тысяч убитых, Константинополь в щебень. Это были лихие 530-е, люди развлекались как могли. В христианской церкви кстати Юстиниан и Феодора почитаются как святые. Почему? Потому.

Коф, мой обмен с вами)

Бэнкси
Девочка с воздушным шаром. 2006
Холст, акриловые и аэрозольные краски.

Впервые изображение девочки, тянущейся за улетающим воздушным шаром, появилось в 2002 году на стене типографии в районе Шордич на востоке Лондона. Через несколько месяцев картина была нарисована еще и на южном берегу Темзы — там ей сопутствовала надпись «Всегда есть надежда». После протеста против режима Асада в Сирии художник вновь повторил «Девочку», закутав ее в платок — так она стала символом кампании по поддержке беженцев с Востока. 13 марта 2014 года, в день годовщины военных действий в Сирии, проекция граффити появилась на самых известных сооружениях мира, в том числе на Эйфелевой башне и Третьяковской галерее на Крымском Валу.

В 2014 году на аукционе Sothebyʼs была выставлена картина Бэнкси «Девочка с воздушным шаром» .

В каталоге Sotheby's указывалось, что продаваемая версия «Девочки с воздушным шаром» была подарена нынешнему владельцу в 2006 году после ее демонстрации в магазине «Barely Legal» в Лос-Анджелесе, имя этого человека не называлось. Картина по требованию художника была заключена в массивную золотую раму, что трактовалась экспертами как насмешка над миром «серьезного» искусства.

Картина была продана на аукционе за 1,4млн.долларов неизвестному покупателю, Но…

Сразу после удара молотка полотно поехало вниз — встроенным механизмом его до середины разрезало на полоски, после чего оно остановилось. В верифицированном аккаунте Бэнкси в Instagram вскоре было опубликовано видео, в котором художник показал, как встроил шредер в раму еще в далеком 2006 году на случай, если она когда-либо окажется на аукционе. Подписал пост он якобы цитатой Пикассо «Стремление к уничтожению также является творческим побуждением» — на самом деле эта фраза принадлежит русскому философу Михаилу Бакунину.

Получившееся после работы шредера произведение получило имя «Любовь в мусорной корзине». По некоторым оценкам, в результате этой акции его стоимость только увеличилась.

Обожаю его!😻

Смотрели его документальный фильм «Выход через сувенирную лавку»?

Да!🔥

Он явно знает толк в перформансах и силе идеи)

прекрасная картина, и какая интересная история

я могу себя нарисовать и это тоже будет искусство… или не могу… в любом случае никого не интересует душа, всех интересует образ… так ведь?

видел я квадрат малевича, и меня глубоко удивляет то, что люди им восхищаются… Кто восхитится картиной, на которой изображен пъянчуга в помойке (называемоей моей квартирой), а в образе пьянчуги — я… тем не менее все их рисовали такие же пьянчуги или не очень, но простые люди, зачастую не признанные вовремя

Telenok144,

Не секрет, что многие в России пьют, в том числе и некоторые художники. Правда, в отличие от простых граждан, они пытаются принести это действие в творческий процесс, то есть или пишут картины, будучи сильно навеселе, или героями их картин становятся пьяницы. Причём не всегда это всё представляется исключительно в трагическом и негативном смысле, как на картинах передвижников или на знаменитой «Любительнице абсента» Пикассо.

Напротив, водка и пьянство воспринимается как неотъемлемая часть бытия, а то и становиться своеобразной музой. Именно таким, на первый взгляд, и представляется художественный проект «Митьки». Казалось бы, всё просто: собрались пьющие художники, занялись своим любимым времяпрепровождением, а основательно подвыпив, принялись за картины, надеясь в таком состоянии раскрыть некие скрытые смыслы и должную глубину. Ну и пусть руки не слушаются, зато душа поёт, а для современной живописи интересная идея и необычный подход куда важнее отточенной техники.

а если серьёзно, то «Митьки» — это заметный авангардистский проект, созданный очень даже неглупыми и по-своему талантливыми художниками, которые просто хотели быть ближе к народу и избрали для этого самую народную ипостась — водку. Одним из основателей этого движения является Владимир Шинкарёв, который написал в 1984 году манифест, где даны были понятия о правильном поведении и образе мыслей митьков, а заодно перечислены все их сленговые слова и выражения. Прообразом образцового митька был художник Дмитрий Шагин, работавший тогда вместе с Шинкарёвым в обычной кочегарке.

Митьки обычно носят ушанку, ватник, тельняшку летом, со всеми добродушны и абсолютно незлобивые, даже разговаривать предпочитают с использованием уменьшительных приставок, например, обращаются не иначе как братишка и сестрёнка. Они же вывели некий утопический идеал времяпрепровождения: бесконечное задушевное застолье с «братишками» и «сестрёнками», когда водка никогда не заканчивается, а если и закончилась, то её всегда можно купить в ближайшем магазине, до которого пять минут ходьбы.

Инфо из интернета.

Так что нарисовать пьяницу тоже искусство 🤭

классно)) Вы мне напомнили работы Васи Ложкина (настоящее имя Алексей Куделин)

Соседи!😅

Картины часто являются отражением того, что происходит в душе.

только я как то не замечал пока что того, что эта душа хоть малость ценится

а вот эти чуваки, что рефферат пишт по какой либо картине ну вообще ниочем не говорят по сути

Вася Ложкин
Внутренний мир.

«На моих картинах не внешний мир, а скорей, отображение каких-то внутренних переживаний. Я выковыриваю образы из своего внутреннего мира. Мои картины адресованы не к разуму, а к сердцу, поэтому они и нравятся людям»

Работы российского художника Васи Ложкина (настоящее имя Алексей Куделин) отражают всю суть и сущность современного человечества, высмеивая не только образ его жизни, но и поведение. А сюжеты, придуманные автором, и вовсе пестрят изобилием социальных, бытовых, психологических и политических проблем, так присущих нашей реальности…
Несмотря на то, что действия и сюжеты происходят в вымышленном городке, все они — яркий пример реальности, в которой современное общество, утратив моральные принципы, живёт на полную катушку, не чураясь своих поступков. Интернет, сплетни, алкоголь, безнаказанность, вседозволенность — всё это и многое другое присутствует в работах Васи, которому мастерски удалось обыграть столь волнующие ситуации в своих картинах, где юмор и сарказм граничат с суровыми буднями XXI века.

так вот чьи эти потрясающие картины) периодически сталкивалась в сети с его картинами, но не думала, что все они -работы одного автора )

Загляните к нему на сайт, он очень продуктивен))

😆🔥

«Послы» 1533год

Автор: Ганс Гольбейн Младший

На переднем плане — двое французских послов, стоящих между двух полок с предметами.

Они изображены в роскошной одежде, сдержанно, но с достоинством — как люди, уверенные в своём знании и положении.

Картина словно разбита на «ярусы»:

Верхняя полка

— символы науки и небесного порядка:

Нижняя полка

— символы земной культуры:

Предметы имеют глубокое символическое и аллегорическое значение. Вполне возможно интерпретировать их расположение в качестве небесного и земного миров.

Самое загадочное: анаморфный череп

В самом центре нижней части картины — странная, вытянутая форма. Она кажется бессмысленным пятном… пока ты не посмотришь на неё под углом или не отразишь через цилиндрическое зеркало. Тогда открывается реалистичный человеческий череп.

Это — анаморфоза, особый оптический трюк, популярный в позднем Возрождении.

Череп символизирует:

Memento mori — “Помни о смерти”. Даже обладая всеми знаниями, богатством и культурой — человек смертен.

Круууууть какая!

 В далёкие годы один из учеников Школы «Общества святой девы Марии» подолгу задерживался возле репродукции очень популярной в те годы картины, висевшей в коридоре заведения и разглядывал ее сквозь граненную крышечку от графина..

 Он вообще любил разглядывать мир через эту крышечку, которую всегда носил с собой. Грани крышечки преломляли реальность, придавая ей совершенно фантастические формы.
Картина называлась «Анжелюс» работы известного художника Жана Франсуа Милле.
На картине вроде бы ничего особенного. Крестьянин и его жена стоят на картофельном поле на фоне заката со склонёнными головами, слушая церковный колокол с призывом к молитве за урожай.
 Прямо перед ними корзина с только что выкопанным картофелем.
Картина была настолько благочестивой и умиротворяющей, что стала очень популярна среди обывателей и её репродукции висели почти в каждом доме..
 И только одного мальчика она завораживала какой-то непостижимо таинственностью.
Позже, на протяжении всей своей творческой жизни он многожды возвращался к этой картине, чтобы понять, что же его так тревожит в этом сюжете… В 60-ти его работах персонажи картины появлялись в той или иной интерпретации.
Став уже известным художником, он обратился в администрацию Лувра с просьбой сделать рентгенограмму картины.
И вот тут грянула сенсация..
Оказалось, что под слоем краски, вместо корзины с картошкой спрятан маленький гроб с младенцем. Так в старину, вне кладбищ, хоронили ещё некрещённых младенцев .
«Я всегда чуял смерть в этой картине» сказал он, узнав о результатах.
А если учитывать, что сам известный художник родился ровно через девять месяцев после смерти своего старшего брата- своего тёзки, умершего в 9ти месячном возрасте от менингита, история приобретает совершенно мистический оттенок.

Этого человека звали Сальвадор Дали.

какая история… 🔥

«Вечная весна» (L’Éternel Printemps) — это не просто скульптура, а заколдованный момент страсти и любви, застывший в мраморе. Она создана Огюстом Роденом — гением, который мог заставить камень говорить языком эмоций.

• Автор: Огюст Роден

• Название: L’Éternel Printemps — «Вечная весна»

• Год создания: около 1884 года

• Материал: мрамор (также есть бронзовые отливки)

Скульптура изображает влюблённую пару в момент страстного поцелуя.

Всё в этой композиции — о желании, жизни, цветении, пробуждении. Весна здесь — не время года, а внутреннее состояние любви.
Личное вдохновение: любовь Родена и Камиллы Клодель

Роден создал «Вечную весну» в разгар своей страстной связи с Камиллой Клодель, молодой скульпторкой и музой, с которой у него были сложные и драматичные отношения.

Камилла была не просто вдохновением, но и равной по таланту.

Их любовь была яркой, но мучительной: Роден не ушёл от своей гражданской жены Роз Бёре, что постепенно довело Камиллу до душевного кризиса.

В «Вечной весне» многие видят отражение их бурной любви — момент, когда всё ещё прекрасно, страстно, живо…

Пока не наступит осень.

Скульптура задумывалась как часть «Врат ада», грандиозного проекта Родена по мотивам «Божественной комедии» Данте.

Но она оказалась слишком радостной и светлой для мрачной темы — и была вынесена отдельно.

Роден создал несколько версий: из мрамора, бронзы, с разными основаниями и мелкими вариациями.

Каждая — немного другая, как будто вечная весна проживается заново.

Любовь здесь не как символ или легенда — а как чувство, в которое ты погружаешься телом и душой.

Никаких аллегорий — только жизнь, как она есть: уязвимая, нежная, полная желания.

Слышала, что после разрыва отношений, Роден убрал ее из соавторов общих работ. Это стало для нее таким ударом — лишиться не только любовника, но имени-- что она впала в жесточайшую депрессию, от которой так полностью и не оправилась. Горькая, несправедливая история.

В последствии Камилла попала в психиатрическую клинику, где осталась до конца своих дней. Роден ни разу ее не проведал там.
Камилла писала в письмах:
«Он украл мои скульптуры. Он называл моё — своим. Он разбил мою душу на осколки и назвал это вдохновением.»

Печальная судьба..

Фрида Кало (6 июля 1907 — 13 июля 1954) — мексиканская художница, наиболее известная своими автопортретами.

На творчество Фриды Кало оказали заметное влияние мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки. Художественный стиль художницы иногда характеризуют как наивное искусство или фолк-арт.

Основоположник сюрреализма Андре Бретон причислял Фриду Кало к сюрреалистам.

Фрида Кало умерла 13 июля 1954 года от острого воспаления лёгких.

«Сломанная колонна» — одна из самых известных работ.

Произведение относится к циклу автопортретов. Его называют манифестом страданий и стойкости перед ударами судьбы Фриды, а также художественным символом женской силы.

В тяжёлой аварии 1925 года Кало получила тройной перелом позвоночника и после многочисленных операций долгое время носила ортопедический корсет. На полотне на месте сломанного позвоночника художница изобразила разрушенную колонну и обручи металлического корсета, которые стягивали её тело. Гвозди, воткнутые в тело, — символ физических и душевных страданий.

очень тяжелые картины у Фриды. Как и ее жизнь. Никогда не могу на них долго смотреть, одолевает чувство тревоги и паники

Тишина, просто женщина-художник и знаменитость… это такая редкость. И самое интересное, что о ней я узнала не по картинам, а от подруги услыхала, когда мы ходили в салон брови ей делать. А потом ещё и фильм посмотрела.

«Фрида» (англ. Frida) — драма 2002 года, рассказывающая о жизни мексиканской художницы Фриды Кало. Фильм основан на книге Хейден Эрреры «Фрида: Биография Фриды Кало».

Помню (кажется в Пушкинском) на входе в выставку висели два их огромных портрета — Фриды и Диего, и какой-то маленький мальчик очень громко закричал «какой он некрасивый!!!!' )) Фрида очень любила мужа, но кажется она ещё больше любила страдануть и других довести до безумия. У нее была куча одержимых ею поклонников и поклонниц. Одна даже суициднулась на глазах у Фриды, чтобы произвести впечатление. Мексиканцы.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают — ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

«Завтрак на траве»— скандально известная картина французского художника Эдуара Мане, написанная в 1863 году. Первоначально картина называлась «Купание».

На переднем плане картины изображены на пикнике обнажённая женщина и купающаяся девушка. На заднем плане — два полностью одетых мужчины в сельской местности.

Картина была отклонена Парижским Салоном 1863 года, где вызвала общественный резонанс и споры. Хотя эта работа увеличила известность Мане, она не была продана во время своего дебюта.

В настоящее время картина находится в 29-м зале музея Орсе в Париже.

«Завтрак на траве»— картина французского художника Клода Моне, написанная им в 1866 году.

Композиция представляет собой сцену пикника в лесу с участием 12 человек, мужчин и женщин, лежащих, стоящих и сидящих под деревьями.

Большинство мужских фигур были списаны Моне с фигуры его товарища и художника Фредерика Базиля, ездившего вместе с ним в Шайи, тогда как женские — со своей жены Камиллы. Господа изображены в пиджаках и брюках, дамы же в кринолинах. Между ними на траве разложена скатерть с разнообразными яствами.

Оригинальная, частично утраченная картина хранится в Музее Орсе в Париже (Франция). Меньшая версия-эскиз картины находится в коллекции Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве (Россия).

Поэты древности одушевляли предметы вокруг себя, видели в них Богов илиГениев, звали их по именам и украшали их достоянием гор, лесов, озер, городов, народов, ибо мир они воспринимали шире и глубже, чем мы.Они пристально изучали гения каждого города и страны и находили емуместо в свите вымышленного божества.И возникла картина миропорядка; но корыстные люди стремилисьпредставить во плоти вымышленные божества, и отрешить их от зримыхпредметов, и этим поработить доверчивых и неразумных: так возниклиСвященнослужители; Они создавали обряды из мифов, сочиненных поэтами.И наконец объявили, что все на земле сотворили Боги.И люди забыли, что Все божества живут в их груди.